Los jóvenes artistas están siguiendo un camino que se aleja de la pintura hacia la fibra

El artista sudafricano Igshaan Adams se formó como pintor en la Escuela de Arte Ruth Prowse en Ciudad del Cabo. En medio de dificultades financieras a mediados de sus 20, decidió dejar de comprar pinturas al óleo caras. En cambio, con el permiso de sus abuelos, cortó ropa y otras telas de su casa y las cosió para crear una imagen figurativa. Poco después, en 2010, consiguió un trabajo enseñando pintura y composición a artesanos del tejido en una ONG llamada Philani Maternal, Child Health and Nutrition Trust. Sabía algunos conceptos básicos de tejido antes de aceptar el trabajo, pero la experiencia provocó una conexión "encarnada" con el oficio. “En ese momento me di cuenta de que nunca me había gustado pintar”, dijo en una llamada de Zoom desde su estudio en el Museo Zeitz de Arte Contemporáneo de África en Ciudad del Cabo. "Nunca me conecté con el medio tan fuertemente".

Después de capacitar a esos artesanos, Adams comenzó a trabajar como lo hace hasta el día de hoy, desenredando alfombras de oración islámicas y volviéndolas a tejer meticulosamente con cuentas que evocan el hilo zikr o Tasbih que los musulmanes usan para la oración. Es "un gesto simbólico", dijo, una forma de hacer su propio espacio dentro del Islam como un musulmán queer de raza mixta, y de considerar "los aspectos de mi identidad que estaban en conflicto entre sí". En la actualidad, Adams emplea a un equipo de 16 personas, incluidos sus antiguos alumnos de pintura y sus familiares, así como los miembros de su propia familia, para ayudarlo a terminar tapices extensos que tienen la escala y el poder de las paredes de las pinturas. Varias obras incorporan pisos de linóleo desgastados arrancados de las casas de amigos y vecinos, un material de construcción asociado con las viviendas de clase trabajadora. Su exposición individual de 2022 en el Instituto de Arte de Chicago, "Desire Lines", incluyó el Langa (2021) de 10 pies de largo en tonos tierra, hecho de madera, plástico, vidrio, piedra, cuerda de nailon, alambre y algodón. La X beige en su centro se basa en una imagen aérea de Google Maps de los senderos ranurados en la tierra entre la comunidad de Ciudad del Cabo de Bonteheuwel, donde creció Adams, designada para personas "de color" durante la era del apartheid, y Langa, una ciudad adyacente. suburbio negro.

Recientemente, muchos artistas principiantes formados en bellas artes han seguido un camino similar al de Adams, alejándose de la pintura, junto con el bagaje histórico del arte y las limitaciones que conlleva, y acercándose a la fibra. Están usando los materiales de la artesanía en formas que se parecen mucho a la pintura. Pero estos artistas toman el material como una invitación a centrar las historias personales y sociales, a menudo desde perspectivas históricamente marginadas. Natalia Nakazawa, con sede en Queens, Nueva York, una artista de ascendencia japonesa y uruguaya, se formó primero como pintora figurativa en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD). En las críticas y las visitas al estudio, experimentó lo que llamó conversaciones "aterradoras", plagadas de tokenismo exotizante, sobre los cuerpos femeninos morenos en sus pinturas. Después de exhibir obras figurativas en Queens International en 2006, ella "cierra [d]... ese capítulo". Hoy, utiliza los textiles para abordar el patrimonio cultural, la diáspora, la circulación digital y el poder institucional. "Una de las razones por las que gravité hacia los textiles fue para escapar de las conversaciones obsesivas sobre los detalles del cuerpo", dijo, durante una visita a su estudio en Long Island City, Nueva York. "Quería hablar sobre la ascendencia, la historia, el pasado, el presente y el futuro. Quería hablar sobre la globalización y los mercados: cómo se traducen las imágenes de un medio a otro y cómo se venden". Un textil reciente, Demons and Protectors: Say their names #GuiYingMa #ChristinaYunaLee #MichelleAlyssaGo (2022), presenta imágenes de tres mujeres asiáticoamericanas que fueron asesinadas en Nueva York durante la pandemia, junto con imágenes de bestias y manos esculturales fragmentadas. Hay una "cualidad frágil en cuánto podemos honrar y proteger a los miembros de nuestra propia comunidad", dijo Nakazawa.

Lila de Magalhaes, artista nacida en Brasil y radicada en Los Ángeles, inicialmente estudió pintura, pero se dedicó al bordado después de conocer la técnica mientras trabajaba como asistente en el estudio de un pintor. Después de graduarse de la Escuela de Arte de Glasgow y la Universidad del Sur de California (donde se centró en el videoarte), trabajó como asistente de estudio para Ivan Morley y se encontró con su "destartalada máquina de bordar manual analógica japonesa". La herramienta la llevó de vuelta a su infancia haciendo manualidades como estudiante de la escuela Waldorf en Suiza, donde se crió. Ahora hace tapices que, desde la distancia, son la viva imagen de las pinturas. Solo cuando te acercas lo suficiente puedes ver sus imágenes de otro mundo bordadas en sábanas o sedas teñidas, y adornadas con capas de pastel de tiza. Su vocabulario visual (gatitos, gusanos, insectos, partes abstractas del cuerpo y, a menudo, una mujer cabalgando desnuda sobre un caballo) sondea el inconsciente. Jungiana autoproclamada, se refiere a la ropa de cama teñida de las tiendas de segunda mano que borda como "el lugar del inconsciente y los sueños".

Esta nueva generación de artistas mezcla libremente la fibra y la pintura, abordando inquietudes formales y políticas en obras teñidas, tejidas, bordadas y cosidas en lugar de plasmadas en óleo o acrílico. De hecho, en un viaje a galerías en el centro de Nueva York el invierno pasado, los tapices a menudo dominaban el espacio de la pared que normalmente se dedica a la pintura. Un espectáculo destacado fue una exhibición intergeneracional en Kaufmann Repetto, "Re-Materialized: The Stuff That Matters". Artistas millennials que trabajan en figuración, como LJ Roberts, que hace retratos bordados de personas queer y trans; y Erin M. Riley, cuyos tapices a menudo representan su propio cuerpo tatuado, capturado en selfies de iPhone, se incluyeron, junto con veteranos como la artista de cuerdas anudadas de 80 años Françoise Grossen.

El giro de la pintura a los textiles es una tendencia que se viene gestando desde hace un tiempo. El terreno se sentó con una serie de exhibiciones que celebraron tanto la artesanía como la tendencia hacia la ornamentación y la decoración, las cuales se han asociado durante mucho tiempo con las mujeres y las culturas no occidentales. Nakazawa señaló encuestas recientes como "Con placer: patrón y decoración en el arte estadounidense, 1972-1985", que se inauguró en 2019 en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, como influyentes para celebrar el ornamento en el arte contemporáneo. "Muchas personas relegan a las mujeres y las personas de color a un ámbito decorativo", dijo; por esta razón, considera el medio textil una herramienta para que las personas anteriormente marginadas recuperen la humanidad plena.

Otros espectáculos emblemáticos que destacan los textiles y la artesanía incluyen "Fiber: Sculpture 1960–present" (2014) en el ICA Boston; "Outliers and American Vanguard Art" (2018) en la Galería Nacional de Arte; "Quilts and Color" (2014) en el Museo de Bellas Artes de Boston; y "Making Knowing: Craft in Art, 1950–2019" (2019–22) en el Museo Whitney de Arte Estadounidense. Muchas de estas exhibiciones se basan en el legado de la historia del arte feminista al reclamar contribuciones a la innovación formal creada en entornos domésticos, celebrar las prácticas colectivas y nivelar la jerarquía entre las bellas artes y el arte popular. En el proceso, revelaron cómo el género, la raza y la clase sustentan los sesgos estéticos.

Durante dos décadas, las principales exhibiciones de los museos han reformulado las obras hechas en fibra como Arte con A mayúscula al mostrar cómo las evoluciones formales en la pintura se desarrollaron junto con los patrones y las composiciones que se encuentran en los textiles, y de hecho tomaron prestado de ellos. Una piedra de toque es la encuesta innovadora "The Quilts of Gee's Bend", que viajó a 11 museos entre 2002 y 2006. Las ingeniosas composiciones geométricas de la muestra, hechas con tela desechada por una comunidad de quilters negros en Alabama, fueron recibidas con entusiasmo como un proyecto particularmente estadounidense. estilo de abstracción. Como exaltó Michael Kimmelman en el New York Times, "Imagina a Matisse y Klee... surgiendo no de la Europa enrarecida, sino del suelo color caramelo del sur rural en forma de mujeres, descendientes de esclavos".

El trabajo de una nueva generación de artistas atestigua la influencia perdurable de los quilters de Gee's Bend. La artista de 32 años Bhasha Chakrabarti, cuyo trabajo se incluyó en la exposición colectiva "Fiber of My Being" el verano pasado en la galería Hales de Nueva York, estudió textiles tanto en India como con los quilters de Gee's Bend en Alabama; sus retratos figurativos aúnan técnicas textiles y pictóricas. También en 2022, Legacy Russell organizó "The New Bend", una exposición colectiva en la galería Hauser & Wirth que estableció conexiones entre los quilters de Gee's Bend y 12 artistas emergentes, incluidos Tomashi Jackson, Eric N. Mack y Basil Kincaid. Russell describió a los creadores de Gee's Bend como "artistas y tecnólogos", posicionando a los artistas más jóvenes como sus herederos que exploran los muchos vínculos entre los textiles y las herramientas digitales. Las urdimbres y tramas de la tela, por ejemplo, funcionan como una cuadrícula de píxeles, mientras que sus técnicas de collage recuerdan la experiencia inconexa de navegar por Internet.

Lo digital juega un papel importante en gran parte del nuevo trabajo textil. Nakazawa convierte imágenes de obras de arte en collage digital, a menudo de creadores no occidentales, en textiles tejidos en jacquard hechos en Carolina del Norte con algodón reciclado. Luego embellece la tela con elementos cosidos a mano como espejos de shisha y lentejuelas. "Jacquard es la computadora original", dijo, señalando que las mujeres dominaban la programación de computadoras antes de que el campo se volviera lucrativo. Las imágenes digitales también son una fuente para Pauline Shaw, residente en Nueva York, quien estudió escultura en RISD antes de aprender a hacer fieltro a través de tutoriales en línea. Ahora explora colecciones de museos en línea, junto con su historia personal, para crear obras textiles que exploran la memoria cultural. Un taiwanés estadounidense de primera generación, los tapices de Shaw a menudo reelaboran motivos que se encuentran en las artes decorativas de Asia oriental. Taw (2022), hecho de lana afieltrada y malla de algodón, presenta formas estilizadas que representan una canica, una peonía, un crisantemo, un emblema de buena suerte, así como una amapola, que simboliza la extracción y el comercio mundial. Pequeños objetos de vidrio soplado, que se asemejan a la flora, cuelgan del borde inferior del tapiz. "En ausencia de reliquias familiares, las historias y los recuerdos familiares se convirtieron en cuentos populares", dijo Shaw durante un recorrido por una exposición de dos artistas en la galería Chapter NY en febrero pasado.

Para Shaw, la técnica del fieltro, una de las más antiguas conocidas por la humanidad, evoca "espacios del hogar, el cuidado y la crianza", así como los textiles a gran escala que ilustraron los mitos de origen cultural en la China medieval y dinástica. Para Knight Knight (2022), reinterpretó un tapiz chino de finales del siglo XVI y principios del XVII que representa el mundo a través de la tierra, el mar y el cielo. El panel con un ave fénix y pájaros en un jardín de rocas, de los fondos del Museo Metropolitano de Arte, es apenas reconocible en la interpretación vertical invertida de Shaw, donde pájaros estilizados rodean un centro rojizo, rodeado de verticilos de color beige, azul y naranja. . Una tensión similar entre la legibilidad y la abstracción animó la obra de Shaw de 2021 The Tomb-Sweeper's Mosquito Bite, encargada por la sala neoyorquina The Shed. En esa instalación monumental, un tapiz de fieltro de 24 pies de largo estaba suspendido del techo por una armadura de metal y cables, su peso contrarrestado por múltiples orbes de vidrio soplado. Los delicados recipientes de vidrio contenían objetos basados ​​en objetos de altares taoístas y signos del zodiaco chino, mientras que el diseño abstracto del tejido de fieltro, que se asemeja a una maraña de ramas, se basó en una resonancia magnética del cerebro del artista. "Me gustó que este gran trabajo aparentemente abstracto en realidad contenía mucha información específica", dijo.

Estos artistas no han abandonado del todo la pintura; en cambio, lo están recombinando en un vocabulario visual ampliado. Nakazawa todavía hace pinturas, pero por lo general como parte de un trabajo de medios mixtos más amplio: su pieza de 2019, Historia nos ha fallado … pero no importa, incluye telas encontradas con estampado jacquard e imágenes en collage del sitio de internamiento japonés Camp Minidoka, donde su abuela y otros miembros de la familia fueron retenidos durante la Segunda Guerra Mundial. Aquí, las telas encontradas atestiguan la distribución digital internacional de patrones y la canibalización de culturas en los textiles contemporáneos. Nakazawa dijo que estos patrones textiles contemporáneos, como flores y abstracciones agradables, se derivan de tradiciones específicas de artes decorativas. Hoy, sin embargo, se comparten digitalmente y se reimprimen en todo el mundo, con ligeros ajustes en el color o la escala. "Incluso las cosas que tienen significados culturales más profundos también existen en un extraño éter de anhelo diaspórico", dijo.

Tradicionalmente, el arte decorativo se ha considerado menos valioso que la pintura. Para estos artistas, sin embargo, los textiles y la artesanía en general son liberadores. De Magalhaes describió su giro hacia la artesanía (también trabaja en cerámica, inspirada por el tiempo que pasó en el estudio de cerámica de su madre) como un "deseo de desaprender" la forma de trabajar "pesada cerebral" que estudió en la escuela de arte. No obstante, sus evocadoras obras de ensueño a menudo hacen comparaciones con piezas pictóricas. La escritora Gaby Cepeda ha comparado las imágenes de de Magalhaes con las figuras del Antiguo Testamento, mientras que Andrew Berardini ha señalado la relación de su obra con el simbolismo de Odilon Redon. Su propio objetivo, dijo, es "encontrar alegría, placer y significado dentro del caos que es la condición humana".